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Vínculo con la Comunidad

   Funciones del departamento, programas culturales y proyectos sociales vigentes

  

El departamento de Vínculo con la Comunidad busca activar espacios de intercambio comunitario pensados en función de las necesidades específicas de distintos públicos y comunidades. Para lograr este propósito se elaboran proyectos destinados al desarrollo cultural y artístico, partiendo de la idea del diálogo y prácticas colaborativas, de inclusión, en las que el arte puede ser una herramienta dinamizadora de procesos sociales, un dispositivo de cambio o catalizador de procesos.

 

 

 

Objetivos

  • Fortalecer el vínculo del ITAE con la sociedad

 

  • Fomentar la inclusión de los diferentes sectores y comunidades de la sociedad, en los proyectos culturales que se generen desde el ITAE, desarrollando metodologías que contribuyan a activar espacios de socialización e intercambio, teniendo en cuenta la diversidad cultural que caracteriza al contexto.

 

  • Propiciar la inclusión de estudiantes y docentes en los planes, programas y proyectos culturales y artísticos que se realicen en el medio local e internacional

 

  • Contribuir a la formación académica de los estudiantes de arte del ITAE, consolidando su proceso de aprendizaje a través de actividades insertadas en distintas esferas de la producción cultural: creación artística, prácticas pedagógicas, promoción cultural, difusión mediática, etc.

 

  • Promover la protección al medio ambiente desde el campo cultural y social.

 

Para contactarnos nos puedes llamar al Telf: 2590660 Extensiones: 138- 148 


 

 

 

 

 

 

 


 

 


 

Informes a la comunidad

Actividades comunes 2014


Carrera: Producción de Sonido y Música 2014

 Carrera: Teatro 2014

 Carrera: Artes Visuales 2014

Actividades comunes 2015





Carrera: Teatro 2015



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 Carrera: Producción de Sonido y Música 2015




 Carrera: Artes Visuales 2015





 

Actividades 2016



Prácticas Pre-Profesionales

El Departamento de Vínculos con la Comunidad Itae cuenta con convenios en importantes instituciones donde puedes realizar tus pasantías ajustadas a tus necesidades de horarios, períodos de tiempo y ubicación.

HILARTE


Hilarte es una Asociación Comunitaria dedicada al trabajo con niños de 0 a 6 años, desde 1998. Su visión respecto a la formación de niños podría traducirse como "La pedagogía y el arte, son partes orgánicas de un mismo todo.

¿QUÉ ACTIVIDADES PUEDEN REALIZAR LOS PRACTICANTES EN HILARTE?

  • Asistencia artística que consiste en las tareas que designe el maestro de Hilarte, ejemplo: creación de figuras, manualidades, elaboración de ilustraciones.

RUTA:

  • Asistencia a docentes fuera de la Institución.

 HORARIOS:

  • Lunes, Martes Y Miercoles Matutino y/o vespertino.
  • Jueves Y Viernes solo matutino.

 DIRECCIÓN:

  • Suroeste, Callejón Parra 1606 y Calle 29 / Referencia Hospital Guayaquil.

FASINARM


Fasinarm es una organización que ofrece una gama de servicios para personas con discapacidades. Uno de ellos es el Programa Vespertino (en el cual está enmarcado el  presente convenio interinstitucional); el mismo que desde el 2011 viene atendiendo de manera gratuita a 60 niños-as de 3 a 11 años con discapacidad intelectual de escasos recursos en convenio con el Ministerio de Educación.

 ¿QUÉ ACTIVIDADES QUE PUEDEN REALIZAR LOS PASANTES EN FASINARM?

  • Coordinación rítmica con juegos entre estudiantes y asistentes.
  • Manipulación de instrumentos musicales percutidos.
  • Relajamiento muscular con música de distintos estilos.
  • Expresión Corporal.
  • Desarrollo de destrezas motrices
  • Pintura
  • Escultura
  • Arte terapia

RUTA:

  • Asistencia a docentes fuera de la Institución.

 HORARIOS:

  • Lunes A Viernes 2-6 p.m. (Pueden escoger dos días de trabajo a la semana)

 DIRECCIÓN:

  • Kennedy Norte: Av. Miguel H. Alcivar y Luis Orrantia. Referencia: Junto al Colegio Cebis

NEUROCIENCIAS


El Instituto de Neurociencia es una institución que brinda un servicio integral de salud mental aplicando las mejores técnicas de neurociencias, apoyados en docencia e investigación, con personal calificado y comprometido con los valores de la Junta de Beneficencia de Guayaquil.

 ¿QUÉ ACTIVIDADES QUE PUEDEN REALIZAR LOS PASANTES EN NEUROCIENCIAS?

  • Asistencia a maestros en diferentes talleres: pintura, escultura, dibujo, canto, expresión corporal, etc, como terapia a través del arte.

RUTA:

  • Asistencia a docentes fuera de la Institución.

 HORARIOS:

  • Lunes A Viernes 2-4 p.m. (Pueden escoger dos días de trabajo a la semana)

 DIRECCIÓN:

  • Av. Pedro Menéndez Gilbert

Cineclub

Espacio de difusión- proyección y discusión de manifestaciones audiovisuales diversas (cine, videoarte, video experimental, videoclip, etc.)

El CINECLUB del ITAE es concebido como un dispositivo de exhibición pública tanto de material audiovisual diverso como de formato de encuentros académicos, foros, charlas, ponencias, lecciones de cine, etc. entre especialistas y el público en general, presentando selecciones de rigor de carácter gratuito, todos los miércoles a las 7 PM en el Mini teatro del ITAE. Este espacio programa selecciones de rigor académico, las cuales estarán dirigidas a estudiantes, cinéfilos, neófitos y la comunidad del sector, presentándose con una periodicidad semanal.

 


  PROGRAMACIÓN: AÑO 2014



  DECÁLOGO de KRZYSZTOF KIESLOWSKI Surgido como una serie televisiva, El decálogo se convirtió en uno de los grandes hitos del cine contemporáneo y adquirió rápidamente la categoría de cine de culto debido a la empatía que estableció con los espectadores de todo el mundo (...) Quienes lo hayan visto en el momento de su estreno recordarán que el ciclo concebido por Kieslowski no se proponía ilustrar los mandatos bíblicos ni tampoco se presentaba como la interpretación propia del cineasta sobre aquellos textos. Lo que Kieslowski hace es plantear problemas éticos, camuflados bajo el ropaje anecdótico de situaciones cotidianas, desde las más pueriles hasta las irreversiblemente trágicas. Reflexiona sobre la certeza dogmática con los elementos del interrogante filosófico, porque cada película es una pregunta por el valor de la conducta humana. Dada una ley equis, ¿está bien o está mal que los personajes se comporten de determinada manera y realicen determinados actos? ¿Y hay que juzgar esos comportamientos como buenos o malos en sí mismos o según los resultados que producen? Kieslowski filmó su Decálogo en el cénit del posmodernismo y poco antes de que se terminara de disolver el ordenamiento político que había regido el mundo secular desde el final de la Segunda Guerra Mundial. En ese contexto de derrumbe y "pensamiento débil", las películas referidas a los tres mandamientos que regulan específicamente la relación del hombre con Dios, ya sea directa, como la que establece el amor y la invocación (amarlo sobre todas las cosas, no tomar su nombre en vano) o mediada por rituales (santificar las fiestas), adquieren una significación especial. ¿Hace bien el padre agnóstico del primer capítulo al evaluar los riesgos de cierta situación según los instrumentos que le da la ciencia? ¿Obra correctamente el médico del segundo film cuando rubrica con un juramento su opinión sobre las posibilidades de vivir o morir de uno de sus pacientes? ¿Se puede culpar a alguien del desaguisado en que se convierte la Nochebuena de la tercera película? Allí, el protagonista se ve impedido de cumplir el mandato de santificar las fiestas por un pecado del pasado. Pero también, ¿cómo hubiera podido honrarlo mejor: permaneciendo toda la noche en el hogar junto a su familia o cayendo por el despeñadero de extravagancias que a la postre evitaron un suicidio? Toda norma produce automáticamente su propio catálogo de anormalidades. En ese territorio de claroscuros se mueven los fascinantes personajes de Kieslowski.Verónica Chiaravalli


  CACHÉ Un ciclo sobre la vigilancia en el Cine No es ninguna novedad, la vigilancia es un asunto recurrente en nuestros días de -felicidad suprema-. Los argumentos para hacerlo varían, protección, seguridad, control, etc. Lo cierto es que cada vez más este proceso se ha internalizado tanto en nuestras comunidades que apenas lo advertimos, resulta practicamente invisible. Pero ojo, no sólo se trata de grandes empresas, organizaciones y gobiernos que persiguen sus intereses, aquella presencia inquietante de un observador se revela mucho más compleja y humana; hombres y mujeres, compañeros de trabajo o testigos silenciosos, muchas veces difíciles de clasificar simplemente como inocentes o villanos, vaya dilema, vigilantes y vigilados compartiendo la misma mesa. Este ciclo explora el acto de la vigilancia desde sus consecuencias en la historia personal y en la psique de los involucrados.


  ALL YOU NEED IS LESS 
‪Un ciclo sobre extractivismo, agronegocios y consumo.‬ La verdadera posibilidad de un futuro para nuestros mundos vitales gira en torno a la conciencia que tengamos sobre el desastre ecológico que ha generado el Capitalismo. Aquí no hay convivencia posible. A la corta o a la larga se verá que o se cambia el patrón de producción y consumo o nos estaremos acercando inevitablemente al fin de la existencia. Al pensar el fenómeno hay que cuidarse de las ambigüedades y las generalizaciones. ¿No es cierto que solemos decir que la culpa del desastre ecológico la tenemos todos? Como dice Eduardo Galeano, las generalizaciones absuelven: si somos todos responsables, nadie lo es. Es claro que hay nombres y apellidos que han contribuido en mayor medida a que las cosas estén como están. Temas aparentemente tan distantes como la forma tradicional de producir vino en Francia, la proliferación de Organismos Genéticamente Modificados (transgénicos, OMG) en la agricultura y la alimentación y la vida de los mineros y sus familias, nos permiten abordar (a través del cine) este complejo fenómeno que para seguir existiendo nos aproxima cada vez más a la muerte (porque somos parte de la naturaleza, aunque el papel nos resulte incómodo). Desde ya que es apenas una mirada, pero una urgente y necesaria. (Programación: Vanesa Escoda)


  Universos sensoriales   “Me maravillé con Moonrise kingdom, es vital y necesaria la aventura”   Escribir sobre Anderson es darle rienda suelta a las sensaciones dentro de un bosque sin fin; se lo reconoce al instante: imágenes laboriosas de simetrías y colores imperantes, meticulosidad  en los decorados pensados hasta en el último detalle, diálogos  y relaciones construidas desde  ese “otro”  universo con una carga refinada, excéntrica y nostálgica; lo bufonesco, lo desmesurado, lo esperpéntico, la familia y la muerte.    “ él no hace películas, él construye cuentos”   Este ciclo pretende generar cronológicamente un acercamiento del proceso que el director a desarrollado desde su ópera prima (ladrón que roba a ladrón,1996) hasta su última película (el gran hotel Budapest,2014) donde se observa la construcción coral en sus películas(recurrente, presente y necesaria), la colección de tramas urdidos en rizomas(una enredadera mágica de sucesos),  narrativas agujereadas, erosionadas con personajes arrojados a un territorio inestable como satélites orbitando espacios no convencionales;  siete trabajos que cautivan, emocionan  y trascienden al territorio de imaginarios imposibles, con la interrogante incesante de que la realidad es mas divertida cuando la trastocan. María Coba


  CICLO:O CAPTAIN!, MY CAPTAIN! Un ciclo sobre aprender y desaprender. "¡Oh Capitán! ¡Mi Capitán! Nuestro temeroso viaje esta hecho; el buque tuvo que sobrevivir a cada tormenta,el premio que buscamos esta ganado; el puerto está cerca, escucho las campanas, todo el mundo está exultante, mientras siguen con sus ojos la firme quilla, el barco severo y desafiante." Walt Whitman ¿Cómo abordar el tema de la enseñanza y el aprendizaje en el mundo del cine? es posible hacerlo sin estigmatizar al estudiante, al docente?, y qué del peso de la institucionalidad, aquel aparato ideológico del estado por excelencia?   Es acaso la permisividad y apatía del estudiantado una grave señal de nuestros tiempos? Cuando es oportuno traer a colación estos temas? Este ciclo pretende poner sobre el tapete la problemática de la educación abordando  casos variopintos sin proponer soluciones mágicas.  Profesores represivos  o valientes, estudiantes laxos o críticos, o incluso hasta empoderados para cuestionar enérgicamente aquella  -educación bancaria- a la que se refería Paulo Freire.  En definitiva es buscar el pretexto para echarle una mirada reflexiva a un proceso que no solamente está vivo sino que requiere cuestionamientos continuos y una permanemente crisis.

  


PROGRAMACIÓN: AÑO 2013 



  El nombre de este ciclo es un pleonasmo: en las antípodas de los lugares comunes, esas que pretenden esterilizar la rebeldía a punta de tarjetas Hallmark, no hay infancia que no haya sido terrible. Jamás volveremos a ser tan vulnerables como cuando empezamos a ser humanos e iniciamos la ardua tarea de tener una identidad propia, a la vez que pre determinada por el rol que nos toca jugar en ese núcleo de la sociedad, es decir de la esquizofrenia, la neurosis y la violencia, que es la familia. Así como Nietzsche defendió la dignidad de la tragedia frente a un Platón que hubiese deseado expulsar a los trágicos de su república ideal (mientras al segundo le parecía decadencia presenciar espectáculos sobre los límites que era capaz de transgredir el género humano, al primero le pareció que ahí, en esa fortaleza, radicaba gran parte de lo mejor de la Antigua Grecia), podemos afirmar que no hay cine más maduro que aquel que se hace con y sobre l@s niñ@s. Es decir: aquel cine que vuelve su mirada a lo que nos constituye y estructura. Quisiera decir también: que nos libera. Pero no estoy tan seguro de que el optimismo sea posible, ni siquiera deseable. Mejor quedarse con el compromiso de las miradas de los cuatrocientos y más golpes de la vida que est@s y otr@s niñ@s nos heredan. Santiago Roldós


  "No eres libre como imaginas. Tu libertad no es más que un fantasma que va por el mundo con un manto de niebla. Cuando tratas de asirla se te escapa sin dejarte más que un rastro de humedad en los dedos."

A Luis Buñuel le gustaba jugar con la idea de que la casualidad fue la que lo trajo a México en 1946. Diversas biografías y estudios sobre la obra del aragonés tienden a concentrarse en su espléndida etapa final -los filmes franceses producidos por Serge Silberman- y en sus primeros años de militancia surrealista, menospreciando la etapa mexicana de su filmografía. No obstante este período de la obra del realizador contiene, al menos, tres obras maestras y casi una decena de filmes más que importantes. Por otro lado, la incomprensión y la irritación de la mayoría del público mexicano ciertamente se convirtieron en el móvil que sabría mantener y utilizar inteligentemente en estos títulos, minando (cuando no) los códigos socialmente aceptados para los ojos y oídos poco atentos, sus películas se volvieron como las de cualquier cineasta industrial, siendo en realidad bombas que destruían por dentro lo que pretendía elogiar.


John Carpenter (New York-1948) y David Cronenberg (Toronto-1943), dos directores de culto del llamado cine de horror contemporáneo. Dos miradas personalísimas que marcaron décadas pasadas hasta volverse referentes obligados del gore, el new flesh, el terror psicológico y los efectos especiales. Hoy en día regresan con vigencia inusitada, en una época en que las teorías conspirativas, la omnipresencia de la  tecnología y principalmente el síndrome de la sospecha salpican prácticamente todo. Hacemos un (cuasi) exhaustivo  tributo a esta dupleta y su vasta filmografía, focalizándonos principalmente en aquellas obras lumbreras que aportaron a la disección del relato del horror posmoderno y a sus equivalentes visiones de nuestros tiempos, o sea del futuro.


  El ciclo “Donde la garganta aprieta y se ahoga la palabra” tiene un proposito no precisamente cinefilo, aunque los films que lo conforman puedan defenderse dentro de los siempre movedizos canones de lo que se considera “buen cine”. En este caso, hemos querido concentrar la atencion en una problematica sumamente vulnerable de la vida actual: las relaciones humanas, y dentro de este amplio espectro, el vinculo filial.

Con variables nimias, asistimos hoy por hoy, a un progresivo deterioro de los modos de vida humanos.  Tal y como señala Felix Guattari “Las redes de parentesco tienden a reducirse al mínimo, la vida doméstica está gangrenada por el consumo «mass-mediático», la vida conyugal y familiar se encuentra a menudo«osificada» por una especie de estandarización de los comportamientos”.

El hogar y sus extensiones han dejado de ser ese lugar de paz y sosiego donde encontrabamos el refugio necesario ante  una realidad convulsa, para incorporar los estados mas explosivos  de incertidumbre y desadaptacion que toman cuerpo en tenebrosas variables neuróticas.

Sin dudas, dentro de ese saco de relaciones humanas el ser padre, o madre, ocupa un lugar especial. Ante casos como los de Eric Harris, Dyland Clebold, Cho Seung-Hui, o Adam Lanza, a todas y todos nos asedia la pregunta ¿pero qué hemos hecho mal? Y es que actualmente ocupar ese rol, nos coloca siempre ante un abismo colmado de desasosiego y culpa.

Una crisis total de las formaciones subjetivas basadas en un tipo establecido de educacion, acecha por doquier. La juventud cada vez es más susceptible a ser manipulada por los medios de comunicacion cuyo acceso es incontrolable. Los estereotipos “normales” de conducta se derrumban, pero aun no encontramos los modos de sobrellevar, como padres, esas otredades  que revuelven nuestra tarea de orientadores hacia formas de existencia que desconocemos.

De  este pretexto emerge el ciclo. Las mejores de estas peliculas se basan en ese aspecto indecible y performativo de las relaciones humanas;  que al reinventarse,  en cada situacion, se muestran como peonza  moviéndose de manera dislocada e impredecible. Hemos querido ponderar las figuras paterno – materna por haber sido consideradas los enclaves basicos de la familia nuclear. Son esas figuras las que despliegan aquí sus luchas internas, cuando se enfrentan desarmadas a lo que la sociedad espera de ellos, o cuando la adversidad se impone, obligandoles desde el mas profundo afecto, a hacer de cada minuto un profundo acopio de imaginacion y fuerza.

Es licita la pregunta por si hacemos felices a nuestros hijos, cuando la idea de felicidad nada tiene que ver ya con nosotros?

Lupe Alvarez madre.

LA NUEVA OLA (DE TAIWÁN)
SINOPSIS CICLO

"Yang, Hou o Tsai crearon estilos propios asimilando las influencias de sus modelos, de Rossellini, de Antonioni, de Truffaut, de Ozu, capturando su espíritu, sus maneras, su moral, y dando lugar a un cine completamente nuevo, autosuficiente, capaz de respirar por sí mismo. Sus filmes son capaces de vivir independientes, en libertad, pueden moverse y circular, y de esa manera no son androides con fecha de caducidad, replicantes que morirán tras la adolescencia, sino seres vivos cuyas huellas ya están en el terreno de la inmortalidad. Nunca dejará de sorprendernos, por muchos años que pasen, por muchos giros que dé la realidad, la manera en que los maestros de la Nueva Ola taiwanesa nos han hecho comprender su historia y, especialmente, la asombrosa precisión con que han retratado la zona más íntima e inescrutable de nuestro presente. Nos queda la alegría de saber que, al final del túnel, hemos aprendido con ellos a vivir sobre las ruinas de nuestro propio sufrimiento. "

Fragmento de "Aquella ola, en la playa" | por Faustino Sánchez

 

Entre el Clasicismo y la Anarquía:
El Nihilismo Romántico de Leos Carax
por Xavier Coronel

Como parcial discípulo de Godard, el cine de Leos Carax (Alexandre Oscar Dupont, Suresnes, Francia, 1960) siempre se movió a su propio aire, difícil de instaurar o domar hacia alguna generación o tendencia dentro de su posición post-nouvelle vague o mas aún dentro del cine contemporáneo. Su trabajo se expande desde finales de los ochenta, con su primer largo Boy Meets Girl (1984), hasta mayo de este año en donde presentó en Cannes su obra más compleja y radical, Holy Motors.

Como autor sus precedentes emanan de aristas diversas, transitando por los grandes romances y musicales de Holywood hasta la cultura pop noventera, eso sí,  pasando por un extraño filtro que le imprime a su puesta en escena unos puntos de contacto entre  Rivette,  e incluso Rossellini.

Sus obras discurren sobre grandes romances, en donde el amor es un vehículo narrativo para retratar la locura, el juego y la nostalgia. Su cine (como el de los grandes nombres) está plenamente marcado por los obstáculos de su vida profesional, bisagra trágica que se gesta en su tercer film, Les Amants du Pont neuf (1991), película que lo condenó por excesos de presupuesto y fracaso en la taquilla a permanecer en sus palabras “en el infierno”-. Pola X (1999), su adaptación de Pierre o las ambigüedades de Melville, 10 años después, termina de sellar su condena, o casi auto-condena al ser completamente malentendida y destruida por la crítica del momento; Rivette, sin embargo, en su momento diría que era una de las películas mas importantes de los 90, hoy en día para muchos es considerada su obra maestra. Aún así la condena continuó, y el silencio de Carax solo cesaba esporádicamente en pequeñas obras como videos musicales a su amiga/pareja en su momento, Carla Bruni, extraños cortometrajes suicidas e íntimos que filmaba desde su casa frente a su computador con sus mascotas y pequeños promos que nadie vio.

Doce años después, con el mundo del cine en contra, logra financiar su proyecto más radical e iconoclasta, Holy Motors (2012). Con él Carax logra sacudir toda una tradición de imágenes afincada en los patrones occidentales; un juego lúdico y rabioso que se disfraza de ciencia ficción para revelarnos lo imposible, lo secreto. La dialéctica entre autor-espectador nunca ha sido tan directa y honesta, hay una secreta complicidad, algo privado que se crea entre la oscura fantasía de Carax y nuestro lugar como espectadores. El tímido y asocial Leos que se niega a hablarnos en público nos devuelve la mirada con su cine, ahí su voz es un grito, un tour de force errático donde nunca nos engaña voluntariamente, al contrario, en toda su complejidad formal-plástica nos propone un desengaño, una desnudez del lenguaje, y nos hace preguntarnos juntos con él, ¿en donde está esa complicidad? ¿Cuándo se termina? ¿Cuándo comenzó? Y si estamos observando todavía, o si ya dejamos de vernos hace mucho tiempo.



PROGRAMACIÓN: AÑO 2012


Ciclo Programado por Karina Skvirsky: De niña mis padres me llevaban al cine The circle theater, en Washington DC, donde proyectaban películas extranjeras.Algunas veces veíamos un programación doble -un film  de corte dramático después de otro-. Estas películas que vi me han afectado profundamente.Las películas escogidas para este ciclo se enfocan en narrativas personales que en su mayoría giran en torno a complejos contextos históricos. El Ángel Azul, (Josef von Sternberg,1930), presenta a una Alemania poco antes del fascismo. Small Change (François Truffaut, 1976) y Madame Rosa (Moshe Mizrahi, 1977) contemplan la vida en la Francia de post-Guerra y los nefastos efectos de la pobreza. El Jardín de los Finzi-Continis (Vittorio De Sica, 1971) me dio pesadillas cuando la vi; fue mi primer enfrentamiento con la posibilidad de ser deportada a un campo de concentración por ser de ascendencia judía.  "Un tranvía llamado deseo" (Elia Kazan, 1951)  personaliza la vulnerabilidad de la mujer sola en un contexto hostil y los riesgos que le conlleva amar.  Y "La conversación" (Francis Ford Coppola, 1974) que capta la paranoia de la persecución y la vigilancia a través de las herramientas auditivas y la tecnología analógica.

* Karina Skvirsky (1969, Ecuador)
Karina Aguilera Skvirsky es una artista que trabaja en fotografía, video y performance. La base de su metodología se concentra en el interrogante de la imagen documental y cómo funciona dentro de los medios de comunicación y el arte. Su trabajo se halla entre la tensión productiva de una tradición conceptual, por un lado, y una formalista por otro.

Si todo el cine de Hollywood y en especial el western se había cimentado hasta la fecha en héroes patrios, portadores de una moral impoluta y dispuestos a todo con tal de conseguir que la justicia prevalezca, Peckinpah, decide mostrar la otra cara de la moneda, de esa América sucia donde sólo queda lugar para la violencia y la desesperanza. En su cine no hay épica ni héroes, ni siquiera un brazo al que agarrarse cuando la estupidez pasa por encima de uno en forma de automóvil. | Alejandro Calvo

La música ya no es un elemento de acompañamiento en la película, es un plano más, una experiencia en sí misma que permite que todos los signos cinematográficos sean expuestos, interrogados y rodeados, ¿para qué? Para que la música pueda liberarse y definir sus propias características y someterse por completo a las especificidades del cine. La música registrada, evidenciada por Karmakar y los Straub para, a través de un proceso dialéctico, provocar el extrañamiento de la continuidad espacio/tiempo del plano.

 

En Resnais y De Oliveira la música ocupa el lugar de una conspiración que transforma el relato en pura fuga, en la expansión de un secreto nunca revelado. Tsai y Green entienden la virtud desbordante de la música como herramienta para descubrir un diálogo de silencios en la inmediatez del mundo, provocando un “entre” que hace visible a la película como la raíz de las cosas que constantemente nos custodian en la vida.

"Los finlandeses son poco habladores pero hay razones para ello. Déjeme que se lo explique lingüísticamente. En fines, lengua es "puhe", esto viene de "puhaltaa", la palabra que significa soplar. Para los finlandeses, hablar no es otra cosa que soplar aire en cada palabra que pronuncia, un gesto bastante inútil. Como la charla que tenemos ahora, los finlandeses normalmente no tenemos nada que hacer. No nos desenvolvemos bien en ella. ¿qué es lo que tenemos que decirnos?" AK

Koistinen es un claro ejemplo de los personajes del cine Kaurismaki , siempre al borde del abismo, de vida gris y triste, solitario y rodeado de adversidades económicas, no obstante, como todos los otros, siempre encuentra pequeños rayos de esperanza a los que agarrarse. El siguiente ciclo visita la filmografía de Kaurismaki, un autor  modelo en cuanto a  precisión y economía narrativa, de un envidiable don para contar historias con pocas imágenes, gestos y palabras justas donde los finales felices  son la opción menos esperada.

                        

 

 

Antonioni estableció un montaje que prefiere la discontinuidad, más cercana al correr de la vida, a la lógica de la causalidad. Esta tensión entre el rechazo de la coherencia tradicional y la tendencia a envolver a sus personajes, mucho más interesada por las influencias de los hechos en aquéllos que por los hechos mismos, es lo que lo llevó a ser una voz primaria del cine.En los años sesenta se pretendió devolver la poética a sus contenidos más aparentes, escondiéndola dentro de las categorías de alienación y de incomunicación –una lectura que hoy parece excesivamente limitada. La estructura misma de pregunta que tienen muchas de las películas de Antonioni encarna narrativamente el deseo de indagar aspectos de lo real que tienden a sustraerse continuamente, lejos de la complacencia de quien no acepta apriorila ambigüedad. Es el conflicto, más o menos declarado, entre la ambición de un todo visible y la búsqueda de una verdad escondida en las cosas y en los personajes por lo que Antonioni obtuvo resultados célebres, dando prueba de una sorprendente inventiva técnica y estilística

¿Cómo pensar el lugar del rodaje desde el otro escenario, el de la representación? El triunfo de estos films radica, en sus derrotas, en la frustación de registrar aquello que solo puede habitar en los momentos extremos e íntimos de la creación cinematográfica

Del 24 al 27 de abril el Instituto Superior de Artes del Ecuador ITAE presenta una serie actividades cuyo eje se concentra en la producción, aproximación y difusión de trabajos basados en el -found footage-(Metraje encontrado) .  Screeners como estrategia de apropiación se pregunta ¿Qué es el found footage?, ¿Sigue siendo found footage un material fílmico digitalizado? Si es así, es posible hablar de found footage, cuando su base material es digital? El proyecto Screeners se propone generar un diálogo entre el material fílmico desde su base en el celuloide y su posibilidad de encuentro con las distintas tecnologías de captación.


1. Operación Screeners
El término "Screener" se utiliza para definir a la copia de las versiones de películas cinematográficas que son enviadas a los críticos y censores antes del lanzamiento oficial, por este nombre se conocen también las grabaciones directas con cámaras de vídeo sobre las imágenes proyectadas en las pantallas de cine. Screeners es una invitación abierta a todos aquellos que re-utilizan material fìlmico en super 8 y 16 mm (home movies, travelogues, documentales subterráneos, etc), para hacer sus propias películas. O para los nostálgicos que deseen asistir a la experiencia de una proyección analógica de antaño.

Lo que necesitas es tu propia cámara de videocon trípode, si deseas capturar. O simplemente asistir, si lo que buscas es una experiencia estética diferente a las proyeciones digitales.

2.-Proyección de filmes entorno al found footage
Entre los lenguajes de la apropiación artística el uso del found footage  ha servido a distintos cineastas sin cámara para levantar  propuestas paradigmáticas en torno a la imagen-movimiento. Sin intención a ser abarcadores (y sin ninguna opción a poder serlo), presentamos una selección con nombres poco conocidos, compacta en autores pero eficaz en propuestas, donde la estrategia de montaje es un acto de subversión política en sí misma.
Programación a cargo de Luis Macías.

Es posible  pensar  en las periferias como el gran contraplano de los  centros hegemónicos? Si fuere así, porqué ésta se encuentra más cerca del documental que de la ficción?   
El presente  ciclo está compuesto  por documentos  fílmicos  que aprovechan las rendijas que le quedan a lo poético. Un ciclo donde la vieja pregunta respecto a la herencia de la objetividad del documental se desplaza para ensancharse o regodearse en las posibilidades del género, y no sólo  para usarlo como “herramienta de liberación” .  

Un ciclo inspirado en  el ensayo titulado “Hacia un tercer Cine” de Octavio Getino y Fernando E. Solanas. 

Dossiers


Encuentros y conversatorios sobre cultura contemporánea

A este espacio se lo ha concebido como un dispositivo de encuentro para el diálogo con especialistas de diferentes campos de la cultura. Persigue generar un clima conversacional entre los artistas invitados, procedentes de las diferentes escenas nacionales, y el público asistente, a partir de la presentación de sus portafolios, textos, obras y registros documentales. Este programa ofrece una vez al mes un lugar de encuentro para el debate, la reflexión y la presentación pública en torno a temas asociados a las líneas de trabajo en curso.


Nuestro foro académico en la red creado por los estudiantes del ITAE, Deskafuero que tiene como objetivo expandir la mirada critica, dando sentido a un conjunto de saberes y plataformas teóricas con las que se relacionan los estudiantes en su aprendizaje cotidiano.




DOSSIERS: AÑO 2013



DOSSIERS: AÑO 2012


 

"Trabajo con la posesión de territorios y los ritos históricos realizados especialmente en América por los diferentes países europeos. En la Bienal de Venecia clavé un cuchillo en la pared con la inscripción : Hago mío este territorio que se refleja en la pared. Estaba presentada paralelamente a una pieza de sonido: lectura de el texto de El Requerimiento, texto principal usado para legitimar los procesos."

 

Arturo Cariceo | 28 junio 2012

ParArturo Cariceo el arte es una pregunta de sentido difícil de responder en la medida que más se adentra el artista en los problemas del arte. El siglo pasado, célebre por su reinserción vanguardista en la historia, enfrentó dicha inquietud mediante operaciones estéticas y metodologías artísticas donde la inmaterialidad, lo intangible o invisible toman un protagonismo a veces metafísico o bien materialista pero siempre ecléctico. Cariceo productiviza esta inquietud mediante una producción artística que llama “Obra Invisible”.

 


SEFT-1 | 26 junio 2012

 

SEFT-1 es un proyecto de arte transdisciplinario, de interacción y difusión pública, que propone la exploración de vías de ferrocarril en desuso como punto de partida para la reflexión y la investigación; su importancia histórica, sus implicaciones sociales, circunstancias y contextos actuales. Aborda dos polos de la experiencia social de la tecnología: la utilidad y el desecho. La SEFT-1 es un vehículo capaz de viajar tanto en tierra como sobre las vías, esta sonda exploratoria tiene el objetivo de hacer un levantamiento de fotografía, video, audio y texto de sus encuentros, del paisaje e infraestructura alrededor de los trayectos, así como entrevistas con los pobladores a pie de vía. Transmite la información a su sitio web, www.seft1.net, en el cual se puede monitorear el estado de la sonda, su ubicación, rutas trazadas en mapas geoposicionados, ver imágenes y videos de sus recorridos y accesar a información de contexto editada por un equipo de investigación. Esta Información también se expone en proyecciones que se muestran en algunas de las poblaciones por las que pasa.Un proyecto de Andrés Padilla y Manuel Puig

 Juan Ormaza | 8 junio 2012

 

 

 

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